Projeto Rap Brasil -A Jornada Influente de Armando Martins, o Dr. Rap 

O universo do rap brasileiro é vasto e diversificado, mas poucos nomes se destacam tanto quanto o de Armando Martins, mais conhecido como Dr. Rap. Nascido em Portugal e criado em Osasco, Brasil, Dr. Rap tem uma trajetória impressionante e influente no cenário do rap. Sua paixão pela música desde a juventude o transformou em um renomado DJ e apresentador de rádio, reconhecido por seu trabalho dedicado à promoção e fortalecimento da cultura Hip Hop.

Início de Carreira e Ascensão

Desde o início de sua carreira, Dr. Rap demonstrou um conhecimento profundo e uma habilidade excepcional como DJ. Seus eventos atraíam multidões, encantadas por suas seleções musicais envolventes. Esse talento não passou despercebido e logo Dr. Rap conquistou espaço nas rádios de São Paulo, onde apresentava programas voltados ao rap, proporcionando uma plataforma crucial para artistas emergentes e estabelecidos compartilharem suas músicas e histórias.

Impacto no Rádio e Entrevistas

Dr. Rap se destacou também por suas entrevistas marcantes com artistas influentes, tanto do cenário nacional quanto internacional. Suas conversas ofereciam aos ouvintes insights exclusivos sobre a cena musical e as histórias por trás das letras, aprofundando a conexão entre os artistas e o público. Essa habilidade de extrair histórias fascinantes e perspectivas únicas consolidou sua reputação como uma voz respeitada no rap brasileiro.

Projeto Rap Brasil: Um Podcast de Referência

Atualmente, Dr. Rap é o apresentador do renomado Podcast Projeto Rap Brasil. O programa se tornou um espaço de destaque para discussões sobre a cultura do rap, análises musicais e entrevistas. Com uma base de seguidores leais e uma forte presença nas plataformas de mídia social, o Podcast Projeto Rap Brasil oferece uma experiência autêntica e envolvente para os amantes da cultura no Brasil.

O objetivo do Podcast Projeto Rap Brasil é promover a diversidade e destacar talentos. O programa oferece uma plataforma inclusiva para artistas compartilharem suas músicas, perspectivas e experiências. Além disso, aborda questões relevantes relacionadas à cultura, sociedade e política, trazendo uma abordagem abrangente ao rap como forma de expressão artística.

O Podcast Projeto Rap Brasil possui uma forte presença nas redes sociais, com um canal ativo no YouTube e uma conta no Instagram que oferece conteúdo exclusivo e interação com os fãs. Essas plataformas proporcionam uma oportunidade valiosa para marcas e parceiros alcançarem um público engajado e apaixonado pelo rap. Ao se associar ao Podcast Projeto Rap Brasil, as marcas têm a oportunidade de se conectar com uma audiência influente e segmentada, além de apoiar e promover a cultura do rap brasileiro.


Dr. Rap, através do Projeto Rap Brasil, não apenas enriquece a cena musical com seu vasto conhecimento e experiência, mas também promove uma cultura de diversidade e inclusão. Seu impacto no rap brasileiro é indiscutível, e seu trabalho contínuo no podcast serve como um farol para artistas emergentes e uma voz poderosa para questões sociais. Em um país onde a música é uma forma vital de expressão, Dr. Rap e o Projeto Rap Brasil são essenciais para o crescimento e a evolução do rap.



Foto:Léia Maria - Banda O Coro

Música e Gastronomia 

Nós embarcamos em uma jornada saborosa e musical pelo TorresmoFest, o maior Festival Gastronômico do Brasil, que aconteceu no Park Jacarepaguá entre os dias 11 e 14 de Abril. 

Foi um uma experiência repleta de delícias e ritmo contagiante! 


Música ao Vivo: Rock, Ritmo e Energia

Durante os quatro dias do evento, o estacionamento do Park Jacarepaguá se transformou em um palco vibrante. As bandas tocaram do final d tarde e a noite, proporcionando uma trilha sonora incrível para acompanhar as degustações. Algumas das bandas que se apresentaram foi 

Cover Queen - Apresentando os clássicos do Queen com energia e paixão pelo rock.Bohemian Rock - Uma homenagem à lendária banda britânica

Tributo aos Mamonas - Revivendo a irreverência e alegria da banda Mamonas Assassinas com a  Banda Cólica Renal 

Tributo ao Charlie Brown Jr- Entregando toda a energia do "Skate Rock" que ficou marcado na voz do eterno chorão com a Banda O Coro


Gastronomia: Uma Explosão de Sabores

O TorresmoFest celebrou as iguarias à base de proteína suína de forma espetacular. Nós tiveram a oportunidade única de saborear pratos incríveis que não se encontram em nenhum outro lugar ou festival. 

Torresmos crocantes até receitas exclusivas, o festival ofereceu uma variedade de opções gastronômicas que fizeram nossos paladares dançarem de alegria. Uma diversidade de pratos à base de carne suína através: torresmo de rolo, torresmo pururuca, torresmo de boteco, além de costela fogo de chão, Baião de Dois, Feijão tropeiro, lanches de costela, batatas, doces e até hambúrguer com Shimej

E para harmonizar com essas delícias, o exclusivo chopp artesanal estava à disposição dos visitantes. Uma verdadeira festa para os sentidos!

O Torresmo Fest acontece em vários lugares no Brasil, com certeza terá um perto de você .Nós recomendamos o evento é uma experiência única, não deixem de ir e levar a família e amigos .


Jorge Vercillo celebra 30 anos de carreira com a turnê JV30


O renomado artista brasileiro, Jorge Vercillo, está comemorando três décadas de uma carreira musical bem-sucedida com o anúncio da turnê JV30. A turnê, organizada pela Central Sonora e ELO Produções, levará Vercillo a várias cidades do Brasil e da Europa.

Vercillo, um ícone da música popular brasileira (MPB), é conhecido por sua voz inconfundível e uma carreira repleta de sucessos. Com quinze álbuns inéditos e quatro DVDs, suas músicas acumularam mais de um bilhão de reproduções em plataformas de streaming. Entre seus sucessos atemporais estão “Que Nem Maré”, “Homem Aranha”, “Monalisa”, “Final Feliz”, “Encontro das águas”, “Fênix", “Sensível Demais”, “Ela Une Todas as Coisas”, “Leve”, além das recentes “Endereço” e “Só Quem Ama”.

A turnê JV30 promete ser um marco na carreira de Vercillo, proporcionando aos fãs uma experiência musical única. Acompanhado por uma banda talentosa, cada apresentação promete ser um espetáculo inesquecível.

Vercillo expressou sua gratidão à Central Sonora e a todos que acreditaram em sua música. Ele refletiu sobre sua carreira, afirmando que, apesar de seus 30 anos de experiência, ainda tem muito a aprender. Ele também enfatizou a importância de permanecer fiel a si mesmo e continuar a enriquecer sua “paleta de cores” musical.

César Figueiredo, CEO da Central Sonora, compartilhou que a turnê visa destacar tudo que Vercillo construiu em sua carreira. Ele elogiou a versatilidade de Vercillo e sua capacidade de se conectar com públicos de todas as idades.

A turnê JV30 apresentará um repertório que abrange toda a carreira de Vercillo, desde seu álbum “Encontro das Águas” (2001) até seu recente hit “Só Pra Quem Ama” (2023). A turnê passará por mais de 15 cidades, com paradas internacionais. Os ingressos já estão disponíveis no site jv30.com.br.

A turnê começará no Rio de Janeiro em 6 de abril e passará por várias outras cidades, incluindo Belém, São Paulo, Teresina, Maceió, Belo Horizonte, Salvador, Juíz de Fora, Curitiba, Vitória, Fortaleza, Natal, Ribeirão Preto e Lisboa. Outras datas e locais serão anunciados em breve.

Para mais informações, visite JV30 

Bob Marley, o lendário artista jamaicano, é uma figura icônica no mundo da música e da cultura. 

Vamos explorar cinco curiosidades fascinantes sobre ele:

Quando tinha apenas quatro anos, Bob Marley começou a fazer previsões lendo as palmas das mãos das pessoas. Suas previsões eram frequentemente precisas, e ele ficou conhecido na região por isso. No entanto, após se tornar famoso, ele declarou: “Eu não estou mais lendo mãos. Estou cantando agora.”

Em 1968, Bob foi preso na Jamaica por posse de maconha e passou um mês na prisão. Durante esse período, ele conheceu outros detentos com os quais criou laços fortes. Essa experiência o inspirou a compor músicas com mensagens políticas mais contundentes. Em 1977, ele foi detido novamente em Londres pelo mesmo motivo.

Além de ser um dos maiores expoentes do reggae, Bob Marley também é responsável por disseminar a cultura rastafari pelo mundo. Suas falas e canções transmitiam os valores fundamentais dessa religião, incluindo a soberania negra e a valorização das raízes africanas.

As Nações Unidas concederam a Bob Marley a Medalha da Paz do Terceiro Mundo em 1978, reconhecendo seu papel na defesa da justiça, libertação nacional e direitos civis. Ele também recebeu condecorações na Jamaica, incluindo a “Ordem do Mérito” e o título de Herói Nacional.

A qualidade musical de Bob Marley e sua banda, The Wailers, foi amplamente reconhecida. A música “One Love” foi classificada pela BBC como a canção do milênio, e Bob foi eleito o 11º maior artista de todos os tempos pela revista Rolling Stone

 A inovação musical e o ativismo de BNegão "  


O enigma do sucesso póstumo 

Veja 10 curiosidades sobre o guitarrista do Black Sabbah


Billie Holiday a lenda do jazz

Se emocione com o show “ULTIMATE QUEEN - The Magical Tribute”

Se você é apaixonado pela banda Queen e suas músicas inesquecíveis, não pode perder a oportunidade de assistir ao show “ULTIMATE QUEEN - The Magical Tribute”, que traz para o palco a performance da banda que conquistou o mundo.

Você irá se impressionar com a semelhança de ELVIS BALBO com FREDDIE MERCURY, o vocalista que marcou a história do rock.

Você ira se arrepiar ao som da guitarra de Cauê Brisolla, que executa os solos de Brian May com perfeição.

Você irá se surpreender com o baixo de Fabio Del Popolo, que segue cada nota de John Deacon com precisão.

Você se contagiará com a bateria de Guga Teixeira, que reproduz a energia de Roger Taylor com intensidade.

E você se encantará com a ORQUESTRA SINFÔNICA e o CORAL que acompanham a banda, dando um toque especial aos arranjos e criando uma atmosfera única.

Os shows da “Ultimate Queen” são mais do que simples tributos, são verdadeiras homenagens ao legado do Queen.

@ultimatequeenofficial

Refletindo sobre o Legado de Kurt Cobain do Nirvana em Seu Aniversário 

Três décadas após a morte de Kurt Cobain, o legado desse ícone do rock continua poderoso, graças à sua banda mundialmente aclamada, Nirvana. 


Neste artigo, vamos explorar a história e os aspectos marcantes da vida de Cobain, refletindo sobre sua influência duradoura.

Infância Marcada pelo Divórcio

Kurt Cobain nasceu e cresceu na cidade madeireira de Aberdeen, Washington. Sua infância foi marcada pelo divórcio de seus pais quando ele tinha apenas oito anos. Essa separação teve um impacto profundo em sua vida e foi refletida em suas palavras escritas na parede de seu quarto: “Eu odeio mamãe… eu odeio papai… papai odeia mamãe… mamãe odeia papai… isso simplesmente faz você querer ficar triste.”

Em uma entrevista de 1993, Cobain expressou sua “vergonha” em relação aos pais, revelando as complexidades emocionais que o acompanharam desde a infância.

O Primeiro Amplificador e a Venda de Armas

Na adolescência, Cobain enfrentou mais turbulências familiares quando seu pai se casou novamente. Mudando-se para a casa de sua mãe, ele testemunhou uma situação intensa em 1984: sua mãe descobriu o caso do novo marido e, furiosa, ameaçou-o com um rifle, jogando sua coleção de armas em um rio próximo.

Cobain observou tudo isso da janela e, posteriormente, recuperou as armas, vendendo-as para obter dinheiro. Com os fundos arrecadados, ele comprou seu primeiro amplificador, marcando um momento significativo em sua jornada musical.

A Escolha de Não Ingressar na Marinha

Cobain também teve um breve período em que abandonou a maconha e decidiu ingressar na Marinha. No entanto, ele logo percebeu que essa não era a carreira desejada para ele. Sua paixão pela música e sua busca por expressão artística o levaram por um caminho diferente, um que o tornaria uma figura icônica no mundo do rock.

O Legado Duradouro

Kurt Cobain, com sua voz comovente e suas composições profundas, sintonizou-se com algo que ajudava as pessoas a se sentirem menos “estranhas” e menos sozinhas. Sua genialidade e humanidade brilharam através de sua personalidade melancólica e sombria. Mesmo décadas após sua morte, sua obra continua relevante, inspirando gerações e transcendo seu tempo.

O culto a Kurt Cobain persiste, e sua influência vai além da música. Ele se tornou um símbolo da contracultura dos anos 90, e sua imagem está imortalizada em diversos formatos, desde parques até fontes de letras. O sorriso icônico do logotipo do Nirvana, criado por Cobain, permanece como um lembrete de sua complexidade e impacto duradouro.

Em seu 57º aniversário, lembramos Kurt Cobain não apenas como um músico talentoso, mas como alguém que deixou uma marca indelével na história da música e na cultura popular.

Tony Iommi Completa hoje 76 anos

Veja 10 curiosidades sobre o guitarrista do Black Sabbah


Em 19 de fevereiro de 1948, nasceu o lendário guitarrista Tony Iommi. Embora seja mundialmente conhecido como o guitarrista do Black Sabbath, há muito mais a descobrir sobre esse ícone do rock. 

Aqui estão dez curiosidades que talvez você não saiba sobre ele:

Tony quase sempre ostenta um bigode. A razão? Quando criança, ele caiu e cortou o lábio, deixando uma cicatriz. As crianças o apelidaram de “Scarface”, então ele cultivou o bigode para cobrir a marca. Curiosamente, o incidente ocorreu porque um valentão da vizinhança que colecionava aranhas o perseguia, deixando Tony apreensivo.

Antes de se tornar um músico profissional, Tony trabalhou como soldador em uma fábrica. No último dia de trabalho, sofreu um acidente que cortou as pontas dos dedos anelar e médio da mão direita. Isso afetou sua habilidade como guitarrista canhoto.

Em 1968, Tony deixou o precursor do Black Sabbath, a banda Earth, para se juntar ao Jethro Tull. No entanto, ele retornou à sua banda original em 1970, após a mudança de nome para Black Sabbath. Com eles, gravou o álbum de estreia homônimo.

O baterista do Led Zeppelin, John Bonham, foi o padrinho de Tony em seu primeiro casamento nos anos 70.

Tony é apaixonado por carros, mas eles quase o mataram. Após um acidente com um carro esportivo na adolescência, ele sobreviveu e continuou comprando veículos luxuosos, incluindo Rolls-Royce, Lamborghini e Maserati.

Somente em 2000, Tony lançou seu primeiro álbum solo, intitulado “Iommi”. Em 2005, seguiu com o álbum “Fused”.

Tony quase compôs a trilha sonora do filme “A Nightmare on Elm Street” (1984). Ele leu o roteiro, se encontrou com os produtores e até escreveu uma música para o filme.

Tony Iommi é uma lenda do rock, e sua influência na criação do heavy metal é inegável. Seus riffs poderosos e sua trajetória marcante continuam a inspirar músicos e fãs em todo o mundo. Parabéns pelo seu aniversário, Tony! 🎸🤘



Canção perdida de James Brown será lançada ainda este mês

A gravação perdida de 1970, 'We Got To Change', será lançada este mês junto com o documentário James Brown . 

Prepare-se para uma viagem musical no tempo, pois mais de duas décadas após seu último single, James Brown está de volta com uma surpresa imperdível. "We Got To Change" é a joia perdida que os ouvintes têm esperado, gravada na data 16 de agosto de 1970 em Miami. A faixa será lançada no aguardado documentário "James Brown: Say it Loud", uma jornada de quatro episódios que estreará nos dias 19 e 20 de fevereiro de 2024.

A música foi capturada com o núcleo original do JB's, a banda de James Brown dos anos 70 e 80, incluindo a lendária presença de Bootsy Collins, seu irmão Catfish, e Clyde "Give the Drummer Some" Stubblefield, também conhecido como The Funky Drummer. 

Esta peça musical única foi gravada entre os clássicos "Sex Machine" e "Super Bad" do início de 1970, e as icônicas "Talkin' Loud and Sayin' Nothing", "Get Up, Get Into It, Get Involved" e "Soul Power" do final de 1970 e início de 1971.

Para os fãs ansiosos, "We Got To Change" já está disponível para pré-save, preparando todos para a grande estreia em 16 de fevereiro de 2024. Este lançamento incrível coincide com o evento documental James Brown: Say It Loud, uma celebração de duas noites que narra a extraordinária vida e carreira de Brown, desde seus dias de aluno abandonando a 7ª série na era Jim Crow no Sul até se tornar uma lenda do entretenimento, deixando um impacto inigualável na história e cultura.

O documentário promete revelar facetas inéditas de James Brown, apresentando entrevistas e performances de arquivo nunca antes vistas. Entre os entrevistados estão amigos, familiares, músicos, incluindo lendas como Mick Jagger dos Rolling Stones, Questlove, Bootsy Collins, LL Cool J, The Rev. Chuck D do Public Enemy, Dallas Austin, Jimmy Jam e Terry Lewis, além dos filhos Deanna, Yamma e Larry Brown, e muitos outros.

Prepare-se para uma experiência única,  James Brown, mesmo após sua partida, continua a surpreender e inspirar o mundo com sua música atemporal.

Os 10 Melhores Videoclipes do Guns N’ Roses em Homenagem aos 62 Anos de Axl Rose

Hoje celebramos o 62º aniversário de Axl Rose, o icônico vocalista da lendária banda de hard rock Guns N’ Roses. Axl, cujo nome verdadeiro é William Bruce Rose Jr., deixou uma marca indelével na história da música com sua voz poderosa e presença de palco cativante .

Para comemorar essa data especial, vamos relembrar os 10 melhores videoclipes do Guns N’ Roses, que capturam a essência da banda e a energia inigualável de Axl Rose:


1.“Sweet Child O’ Mine”: Este clássico atemporal apresenta riffs de guitarra inesquecíveis e a voz apaixonada de Axl. O vídeo nos leva a uma jornada emocional através de performances ao vivo e imagens de bastidores.

2.“November Rain”: Uma das canções mais longas da banda, “November Rain” é uma epopeia musical que combina rock, balada e orquestra. O videoclipe é uma obra-prima cinematográfica, com Axl no centro da narrativa.

3.“Welcome to the Jungle”:A introdução perfeita ao mundo selvagem do rock. Axl Rose nos leva a uma jornada intensa pelas ruas de Los Angeles.

4.“Paradise City”: Uma viagem eletrizante pela cidade do paraíso. O ritmo acelerado e a energia contagiante fazem deste clipe uma explosão de adrenalina 

5.“Don’t Cry” Uma balada poderosa que toca o coração. Axl Rose entrega uma performance emocionalmente carregada.

6. “Estranged”Um épico visual e emocional. A história de separação e redenção é contada de forma magistral

7. “You Could Be Mine”A trilha sonora perfeita para o Exterminador do Futuro 2. Axl Rose e sua banda nos levam a uma jornada intensa e futurista

8. “Civil War”Uma reflexão profunda sobre conflitos e sociedade. A mensagem política e a energia da música são arrebatadoras.

9. “Knockin’ on Heaven’s Door”Uma interpretação arrebatadora da clássica canção de Bob Dylan. Axl Rose dá vida a cada palavra.

10. “Live and Let Die” É um explosão de energia

Feliz aniversário, Axl Rose! Que sua voz poderosa continue ecoando pelos palcos e pelos corações dos fãs por muitos anos! 🌹🎤🔥 

O que acontece quando você não pode usar músicas de Taylor Swift e outros artistas no TikTok?       Os usuários estão começando a descobrir.

Mesmo antes do Universal Music remover seu catálogo do TikTok, artistas da gravadora já estavam na plataforma soando o alarme.

"Tenho uma nova música sendo lançada. Minha música será retirada em cinco horas, mas tenho uma nova música sendo lançada em nove horas", disse o cantor Dean Lewis em um TikTok postado . “Então minha música não vai sair no TikTok.”

Lewis se junta a uma lista de alguns dos principais artistas musicais do momento - incluindo Taylor Swift, Drake, Olivia Rodrigo, Lady Gaga, Ariana Grande e mais - que viram muitos de seus catálogos removidos do aplicativo depois que TikTok e UM não conseguiram negociar um novo contrato.

Um porta-voz do TikTok confirmou na quinta-feira que o catálogo de músicas da UM não está mais na plataforma. 

A remoção das músicas  significa que milhares e potencialmente milhões de vídeos que usavam músicas do catálogo da empresa agora não terão áudio. Clipes de pessoas cantando junto com “Speak Now” de Taylor Swift ou dançando a nova música de Ariana Grande “Yes, And?” estão estranhamente silenciosos.

Não são apenas vídeos de fãs – as músicas de alguns artistas também foram removidas de suas páginas. O áudio de um vídeo no perfil de Swift, que parecia usar anteriormente sua música “Getaway Car”, agora está silenciado. Em dispositivos móveis, o vídeo mostra uma etiqueta que diz “som removido devido a restrições de direitos autorais”.

Em comunicado antes da remoção da música, a UM disse que a questão era uma compensação para seus artistas.

“O TikTok propôs pagar aos nossos artistas e compositores uma taxa que é uma fração da taxa que as principais plataformas sociais em situação semelhante pagam”, disse a UM no comunicado. 

A TikTok reagiu na quarta-feira, alegando que a empresa estava colocando “sua própria ganância acima dos interesses de artistas e compositores”.

TikTok Despede-se de Taylor Swift e Olivia Rodrigo: Batalha Épica com a Universal Music 

Você já se pegou rolando pelo TikTok, animado para encontrar aquela música cativante de Taylor Swift ou Olivia Rodrigo? Bem, prepare-se para uma reviravolta na cena musical, já que o TikTok perdeu acesso a músicas icônicas da Universal Music Group (UMG) em meio a uma batalha de licenciamento que está dando o que falar.

Em um drama digno de um blockbuster musical, a maior empresa musical, a UMG, não conseguiu renovar seu acordo de licenciamento com o TikTok. E o resultado? Músicas de artistas renomados, como Taylor Swift e Olivia Rodrigo, começaram a desaparecer da plataforma de mídia social, deixando os usuários em choque.

As tensões entre a UMG e o TikTok explodiram um dia após a UMG ameaçar interromper completamente a licença de suas músicas para a plataforma. A batalha, que envolve questões de remuneração de artistas, segurança e o uso de inteligência artificial, culminou em uma experiência inusitada para os usuários do TikTok.

As remoções começaram sorrateiramente na noite de quarta-feira, quando gravações oficiais da UMG, como "Cruel Summer" de Taylor Swift, "Get Him Back" de Olivia Rodrigo e "Let the Light In" de Lana Del Rey, sumiram dos resultados de pesquisa. Até mesmo vídeos populares, como o de Kylie Jenner ao som de "Cherry" de Lana Del Rey, foram abruptamente silenciados, acompanhados por um aviso de restrições de direitos autorais.

A meia-noite trouxe uma onda de silêncio para os vídeos de Swift, antes cheios de hits como "Hits Different". Até mesmo performances ao vivo de Justin Bieber, incluindo sua arrebatadora interpretação de "Yummy", foram vítimas desse impasse.

Enquanto a batalha entre gigantes da indústria musical continua, o TikTok e seus usuários ficam no limbo, perdendo acesso a algumas das músicas mais amadas. Como essa saga vai se desenrolar? Só o tempo dirá. Prepare-se para uma reviravolta épica neste capítulo em constante evolução da guerra de licenciamento musical!


 Crédito: @olucalima 

Nação Zumbi no Comando: Uma Jornada Musical Única na Semana Pré-Carnaval do Recife

A primeira edição do Ensaio da Nação, um encontro de gigantes da música e cultura brasileira, promete marcar a história de Recife, que este ano homenageia dois ícones da cultura pernambucana no carnaval 2024: Chico Science, figura central do Manguebeat nos anos 1990, e Lia de Itamaracá, símbolo da ciranda no Brasil.

 

No dia 3 de fevereiro, a Nação Zumbi, uma das bandas mais revolucionárias da música brasileira, vai comandar uma grande festa com a participação de diversos artistas no Terminal Marítimo, no bairro do Recife, a partir das 21h, abrindo alas para o carnaval pernambucano.

 

O Ensaio da Nação vai contar com as participações da Rainha da Ciranda Lia de Itamaracá, uma das homenageadas do Carnaval 2024, a artista multifacetada Jéssica Caitano e Maciel Salú, rabequeiro, cantor, compositor, mestre de maracatu-rural e militante das tradições populares. "Tocar com a Nação Zumbi é um sonho antigo. Banda que admiro e tenho muito respeito. Agora chegou a vez de, de certa forma, dar continuidade ao encontro que aconteceu anos atrás, entre Chico Science e meu pai, o Mestre Salustiano.", diz Maciel Salú.

 

A abertura do evento ficará por conta da banda olindense Academia da Berlinda, estreando o projeto Berlindance, do cantor e compositor Kirá, com o bloco La Baladêra, e do DJ Damata.

 

A Nação Zumbi é formada por Jorge Du Peixe (vocal), Dengue (baixo) e Toca Ogan (percussão), além dos músicos convidados Marcos Matias e Da Lua (alfaias), Tom Rocha (bateria) e Neilton Carvalho (guitarra).

 

Nação Zumbi

Criada no início dos anos 1990, na capital pernambucana, a Nação Zumbi (ainda sob a alcunha de ‘Chico Science & Nação Zumbi’), lançou seu primeiro álbum, “Da Lama ao Caos”, em 1994. O trabalho tornou-se um dos marcos do manguebeat, movimento que, ao lado da Bossa Nova e do Tropicalismo, é reconhecido como um dos mais importantes na contribuição da modernização da música brasileira. Recentemente, “Da Lama Ao Caos” foi eleito o melhor disco já feito no Brasil nos últimos 40 anos em uma enquete feita pelo jornal O Globo com 25 especialistas de todo o país. Nas três décadas de estrada em festivais importantes pelo país e exterior, houve várias formações da Nação. A banda conseguiu se reestruturar e soube se reinventar ano após ano, disco após disco, até chegar aqui. Remanescentes da formação original e fundadores da banda, junto de Chico Science, Jorge Du Peixe, Dengue e Toca Ogan seguem também em carreira solo com novos trabalhos.

 

Lia de Itamaracá


Maior voz da ciranda brasileira, Patrimônio Vivo de Pernambuco, Doutora Honoris Causa pela Universidade Federal de Pernambuco (UFPE), Lia de Itamaracá negritou a história da cultura popular brasileira, sendo hoje uma de suas maiores representantes. A ciranda é seu gênero de origem, mas a artista também transita entre outros vários ritmos da música nordestina, como o coco, maracatu, afoxés, entre outras canções. Atualmente, Lia de Itamaracá circula pelo país com três bandas distintas. Mais recentemente, formou o Quarteto da Ciranda, onde ela mescla um pouco de cada proposta, com uma banda mais enxuta. Em janeiro de 2024, Lia completou 80 anos, festejando no festival que montou, “O Canto da Sereia”, que recebeu diversos artistas e fechou a festa dividindo o palco com a banda Nação Zumbi. Em 2024 será homenageada nos carnavais de Recife, Natal e pelo Estado de Pernambuco e vai desfilar em duas escolas de samba que contarão em seus enredos, a história da cirandeira: no Rio de Janeiro, a Império da Tijuca e em São Paulo, a Nenê de Vila Matilde.

 

Jéssica Caitano

Jéssica Caitano é uma artista multifacetada: cantora, compositora, rapper, repentista, percussionista, poetisa, declamadora, educadora e ativista. É da cidade de Triunfo, interior de Pernambuco, no Sertão do Pajeú. Co-fundadora da Fundação Cultural Ambrosino Martins e do Munguzá Sonoro. Integrante nos projetos de música eletrônica Radiola Serra Alta, Surra de Rima e Reboco. Idealizadora da Cristaleira, projeto de coco e poesia. Autora do cordel "Triunfo é no Pajeú a Flor do Alto Sertão". Coordenadora e Arte-educadora do grupo de crianças e adolescentes Cambindas de Triunfo. Produtora cultural nos coletivos Mangaio, Pantim, Mãe Chiquinha e RIPA (Rede Interiorana de Produtores, Técnicos e Artistas de Pernambuco.


Maciel Salú

Maciel Salu é rabequeiro, cantor, compositor, mestre de maracatu-rural e militante das tradições populares. De uma das famílias mais expressivas na cultura popular de Pernambuco, é filho do conhecido Mestre Salustiano (1945-2008) e o nome mais expressivo da rabeca pernambucana em sua geração. É de Cidade Tabajara, bairro de Olinda. Seu repertório inclui cocos, “baianos” de cavalo-marinho e composições próprias.


Academia da Berlinda


Conhecida por sua diversidade nas referências rítmicas e por sua forte veia latina, a Academia da Berlinda, que completa 20 anos de história em 2024, se prepara para iniciar as celebrações das duas décadas de música com o projeto Berlindance, show com releituras das principais referências que influenciaram o grupo no início da carreira. A estreia do projeto acontece no dia 3 de fevereiro, durante o Ensaio da Nação, em Recife. O Berlindance surgiu com a proposta de revisitar a origem musical da Academia da Berlinda, que nos últimos álbuns se permitiu explorar sonoridades diversas compiladas nos discos Academia da Berlinda (2007), Olindance (2011), Nada Sem Ela (2016) e Descompondo o Silêncio (2020). Algumas das músicas presentes no repertório da Berlindance são Pela Mulher (Caña Dulce), de The Boogaloo Combo; Lambada Classe A, de Aldo Sena; Surra de Amor, de Cassiano Costa; Em Plena Lua de Mel, de Reginaldo Rossi; e Maria da Horta, de Urbano Castro. Outros artistas reverenciados são Pinduca, Ivan Peter, Alípio Martins, Diana e Antônio do Fumo, entre outros.

 

Kirá


O cantor e compositor cearense radicado no Distrito Federal Kirá apresenta o bloco La Baladêra onde dialoga com os movimentos do MangueBeat e da Tropicália, evoca lendas folclóricas, blocos de rua consagrados, saudação à comunidades e grupos tradicionais do Cerrado e movimentos de insurgência históricos do Nordeste, como o "Caldeirão de Santa Cruz", a "Revolta de Canudos" e o "Cangaço". A apresentação "Na Baladêra" flerta com o imaginário do presente-futuro carnaval de rua do DF em cima da nova cena cultural brasiliense e do lado B dos hits de sucesso do Brasil. Desde 2021, o artista circula com seus dois shows: o "Pivete Baladeira" e o carnavalesco "La Baladêra". Com eles passou pelos grandes palcos de Brasília e realizou uma turnê internacional pela Europa. Seu primeiro álbum, intitulado Semente de Peixe (Kirá e a Ribanceira), conta com +140mil streamings orgânicos e 2 músicas premiadas em festivais.


DJ Damata

Dj Renato da Mata criou interesse pela música por influência do seu pai que é músico e tinha uma grande coleção de discos em sua casa. Isso o levou a um gosto musical amplo e eclético. Em seu repertório ele passeia por vários ritmos e estilos musicais. Sua intimidade com as pick-ups, técnica de mixagem e especial habilidade de manejar seu equipamento, se destacaram nos eventos de Recife e nas capitais do país.

 

Serviço Ensaio da Nação

com Nação Zumbi, Lia de Itamaracá, Jéssica Caitano, Maciel Salú, Academia da Berlinda, Kirá La Baladêra e DJ Damata

Data: 03/02/2024 

Horário: A partir das 21h

Local: Terminal Marítimo, no bairro do Recife, Recife-PE.

Entrada: R$ 90 (meia-entrada), R$ 100 (social) e R$ 180 (inteira), pelo Brasil Ticket: https://brasilticket.com.br/ensaio-da-nacao.html


"Caju Pra Baixo: Uma Explosão Musical Conquista o Brasil" 

O fenômeno musical chamado Caju Pra Baixo está deixando sua marca indelével no cenário do pagode brasileiro, acumulando mais de 2 milhões de ouvintes mensais nas plataformas de streaming e seis milhões de visualizações em seu recém-lançado audiovisual "10 Anos do Caju".

"Origens e Ascensão: A Jornada Musical de Caju Pra Baixo"

Nascido em uma roda de samba entre amigos em Marechal Hermes, na Zona Norte do Rio de Janeiro, o grupo, composto pelos talentosos vocalistas João Pedro e Maguzinho, junto com Urich Jonathan, Bruno Costa e Bidell, iniciou sua jornada em 2013. Hoje, eles são uma das principais referências da nova geração do pagode no país.

 "Encantando Multidões: A Fórmula do Sucesso de Caju Pra Baixo"

Com um estilo extrovertido e interações cativantes com o público, o grupo construiu uma legião de fãs que cresce a cada dia. Seu show "Onde Tudo Começou" acumula mais de 28 milhões de visualizações no YouTube, destacando hits como "Eu e Você Tudo a Ver" e "Impossível te Esquecer"


"De Marechal Hermes ao Mundo: A Trajetória de Caju Pra Baixo"

Desde festas particulares até grandes eventos, Caju Pra Baixo percorreu o Brasil, inclusive sendo parte do aniversário do jogador de futebol Felipe Coutinho, na Espanha. A frequente interação e a irreverência nos palcos, segundo João Pedro, são os diferenciais que conquistam o público.

"10 Anos de História: O Novo Capítulo de Caju Pra Baixo"

Com o lançamento do audiovisual "10 anos Caju Pra Baixo", o grupo reforça sua posição com participações especiais de artistas renomados como Belo, Ferrugem, Di Propósito, Lourena, Julio Sereno e Mumuzinho. A faixa "Trajetória" se destaca como uma das mais pedidas nas rádios em todo o Brasil.

"Na Estrada: Caju Pra Baixo Anuncia Temporada de Shows em São Paulo"

Samba, pagode, boa música e diversão estão garantidos na temporada de shows do grupo pela cidade paulista. Abaixo, confira as datas e locais para vivenciar essa explosão musical ao vivo.


11/01 - Mirante Esperia

Endereço: R. Marechal Leitão de Carvalho, 65 - SP

Horário: 20h

Preço: R$ 50,00

Contato: (11) 5200-0540

 

12/01 - Glab Gastro Beach

Endereço: Rua Nossa Senhora Imaculada Conceição, 110 - km 18 Osasco

Reservas e valores pelo telefone: (11) 98566-6039

 

12/01 - Mustang Gastrobar

Endereço: R. Sampaio Ribeiro, 62/70 - Jardim Munhoz, Guarulhos 

Preço: R$ 20,00

Telefone (11) 98913-8519

 

13/01 - Feijoada 105 no Inovabar

Endereço: Rua Eduardo Espinola Filho, 72 - Jardim São Paulo

Abertura da casa: a partir 12h

Vendas on line:  Clube do Ingresso

Telefone: (11) 99910-0893

 

13/01 - Pacca 333

Endereço: Rua Pacaembú - Paulicéia, São Bernardo do Campo

Vendas on line: Bilheteria Digital

Horário: 19h

Telefone: (11) 99494-9091

 

15/01 - Bar Templo

Endereço: Rua Guaimbé, 322 - Mooca 

Vendas on line: Ticket360

Horário: 20h

Telefone: (11) 98383-1413


Se você não conhece recomendo, segue o link abaixo 

Instagram Caju Pra Baixo: 

Youtube


O enigma do sucesso póstumo

Porque os artistas encontram mais fama após a morte 

O mundo da arte está a testemunhar um fascínio intrigante e muito discutido: a rápida ascensão dos artistas ao estrelato logo após a sua morte. Este mistério contínuo faz-nos perguntar por que razão a morte motiva tantas vezes músicos, escritores e outros talentos criativos. Recebeu um enorme aumento em popularidade e aceitação. 

Neste artigo, exploramos as razões por trás desse interesse, considerando os fatores emocionais e culturais que influem esse padrão interessante.

A morte de um artista muitas vezes evoca emoções humanos profundos: mágoa, nostalgia e sentimento de perda. Após a morte do artista, as obras de arte muitas vezes ganham força e se tornam um canal de expressão de sentimentos coletivos e pessoais. Músicas, livros que inspiraram mentes e filmes que emocionaram os espectadores recebem um novo contexto emocional, promovendo uma conexão mais profunda com o público. 

 Ao longo do tempo culturas e gostos estão sempre mudando. Quando um artista morre, a obra é muitas vezes redescoberta por uma geração que pode não ter tido a oportunidade de apreciá-la durante a vida do seu criador. 

O legado do artista é repassado a um novo público, curioso em explorar obras que antes podem ter passado despercebidas. Essa atenção não só revive a carreira do artista, mas também lança um olhar nostálgico ao passado. 

 A morte confere uma qualidade de permanência ao trabalho de um artista. Mesmo que a vida seja temporária, mas a arte sempre resiste ao teste do tempo. Os artistas muitas vezes tornam-se imortais através do seu trabalho, e a morte reforça essa imortalidade, capturando um momento em que a obra de arte e o criador se tornam inseparáveis. 

O impacto da mídia social e das plataformas de streaming também desempenha um papel vital na amplificação do sucesso póstumo. A disseminação rápida de notícias, homenagens e análises online atrai a atenção do público, provocando um ressurgimento do interesse nas obras do artista. 

A morte frequentemente envolve mistério - seja em relação à causa, às circunstâncias ou às últimas criações do artista. A aura de mistério adiciona uma camada de fascínio, alimentando especulações e teorias que mantêm o interesse vivo por anos. Na última análise, o sucesso póstumo de artistas é uma complexa interseção de emoções, cultura, mudança geracional e avanços tecnológicos. 

Enquanto a morte encerra uma vida, ela também abre as portas para um novo capítulo na história do legado artístico, transformando muitos em ícones que continuam a inspirar, comover e entreter as gerações vindouras.


Cazuza aos 65

Clássicos do cantor reinventados em álbum com Silva, Luiza Martins e Thiago Pantaleão 

Em homenagem aos 65 anos de Cazuza, figura proeminente da história do rock brasileiro, a Som Livre lança um projeto emocionante – "Cazuza: O Poeta Vive". O álbum tem lançamento previsto para a próxima sexta-feira, 18 de agosto, e promete um novo olhar sobre as criações atemporais de Cazuza. Esta homenagem musical inclui quatro gravações inéditas de sua obra, enriquecidas pelas notáveis ​​contribuições de Silva, Luiza Martins e Thiago Pantaleão.

A produção musical de "Cazuza: O Poeta Vive" foi meticulosamente conduzida por Lucas Romero e Felipe Vassão, garantindo uma experiência polida e sugestiva para os ouvintes. Além disso, o álbum traz uma impressionante seleção de 20 faixas que retratam o início da ilustre carreira de Cazuza. O álbum promete oferecer uma viagem cativante pela evolução artística deste lendário ícone do rock.

Em depoimento à imprensa, Lucinha Araújo, mãe de Cazuza, comentou sobre "Cazuza: O Poeta Vive". Ela expressou: "Qualquer projeto que gira em torno do trabalho de meu filho me encanta profundamente, pois todos os empreendimentos até agora alcançaram grande sucesso, contribuindo para seu legado duradouro. Mesmo que ele nos tenha deixado há 33 anos - um período mais longo que sua própria vida - seu  nome vive, ainda é assunto de conversa e reinterpretação. Desejo de todo o coração boa sorte a todos os talentosos artistas envolvidos neste projeto. Há uma magia inerente na obra de Cazuza,

Faixas do álbum :

Marque na sua agenda o lançamento de "Cazuza: O Poeta Vive" pela Som Livre em 18 de agosto de 2023. Este tributo musical promete transportar os ouvintes pela notável jornada do legado criativo de Cazuza, convidando-os a redescobrir e celebrar a essência duradoura de sua arte.


 

Festival da Lua Cheia

 Um Encontro Mágico de Gerações Musicais no Rio de Janeiro


O Rio de Janeiro é uma cidade conhecida por sua vibrante cena cultural e musical, e o Festival da Lua Cheia é um dos eventos que iluminam o calendário de shows da cidade. 

Com uma história marcada por grandes nomes da música brasileira e internacional, o festival tem cativado o público carioca com apresentações memoráveis ​​e emocionantes.

Desde a sua primeira edição, o Festival da Lua Cheia se estabeleceu como um espaço de celebração da música e da comunidade. 

Nomes icônicos como Erasmo Carlos, Adriana Calcanhotto e Moraes Moreira já brilharam nos palcos do festival, proporcionando momentos inesquecíveis para os amantes da música. Além disso, o diferencial do evento é o fato de oferecer shows gratuitos, permitindo que pessoas de todas as classes da sociedade tenham acesso a espetáculos de alta qualidade.

Uma das características marcantes do Festival da Lua Cheia é a sua escolha por dias da semana para realizar os shows. 

Tradicionalmente, esses dias têm uma oferta cultural menor, tornando o festival uma alternativa bem-vinda para os entusiastas da música que desejam enriquecer suas experiências durante uma semana. 

Após um hiato devido à pandemia nos anos de 2020 e 2021, o evento retornou em 2022 com uma série de apresentações emocionantes.

A temporada de 2023 promete trazer mais um momento inesquecível para o público carioca. No dia 17 de agosto, uma quinta-feira, o Festival da Lua Cheia fará sua estreia no Deck do Shopping ParkJacarepaguá com uma apresentação especial de Evandro Mesquita e The Fabulous Tab - Tropical Acoustic Band. O show promete resgatar grandes sucessos dos anos 70, transportando a plateia para uma época mágica e repleta de significado.

The Fabulous Tab, também conhecida como Tropical Acoustic Band, é uma verdadeira fogueira musical que aquece os corações dos espectadores. 

Com acústicas e arranjos personalizados de artistas renomados como Pink Floyd, Bob Dylan, Rolling Stones, Bob Marley, The Who e muitos outros, a banda cria uma conexão única entre passado e presente. As canções que inspiraram gerações de músicos ganharam vida novamente, proporcionando um encontro nostálgico e emocionante para amigos e amantes da música.

Uma novidade empolgante para este ano é a inclusão de shows de abertura antes das atrações principais, enriquecendo ainda mais a experiência do público. 

No dia 17 de agosto, o Puppi Trio, composto por Federico Puppi no violoncelo, Cesinha na bateria e Gastão Villeroy no baixo elétrico, abrirá a noite com seu repertório que mistura elementos clássicos e contemporâneos, formado em uma fusão envolvente de filhos e estilos.

O Festival da Lua Cheia não apenas proporciona entretenimento de qualidade, mas também promove o acesso à cultura de forma inclusiva. Com acessos livres aberto ao público, o evento busca unir pessoas através da música e da arte, criando memórias duradouras e conexões. 

E mesmo em caso de chuva, a liderança do festival permanece inabalável, encontrando maneiras de encantar o público e criar uma experiência única.

Com sua mistura nostalgica, talento musical e um ambiente acolhedor, o Festival da Lua Cheia se estabeleceu como um marco na cena cultural do Rio de Janeiro. O evento representa a celebração da diversidade musical e a capacidade da música de transcender o tempo, unindo pessoas de todas as idades em um encontro repleto de emoção e harmonia.

Portanto, no dia 17 de agosto, reserve um lugar em sua agenda para testemunhar o encontro mágico de Evandro Mesquita, The Fabulous Tab e Puppi Trio no Deck do Shopping ParkJacarepaguá. Prepare-se para uma noite de música, nostalgia e celebração, onde as notas musicais irão reascender memórias e criar novas histórias para serem compartilhadas. 

O Festival da Lua Cheia espera por você de braços abertos, prontos para lhe proporcionar uma experiência musical única e inesquecível.

Data: 17 de agosto de 2023 (quinta-feira) 

Horário: 20h 

Local: Deck- Shopping ParkJacarepaguá (Estrada de Jacarepaguá, 6069, Anil, CEP 22.753-045, Rio de Janeiro). 

Ingressos: Gratuitos Evento aberto ao público. Em caso de chuva, a data do evento será alterada.

 

Irmã Rosseta: A Extraordinária Cantora que Encantou Gerações

Irmã Rosseta Tharpe, também conhecida como "a mãe do rock 'n' roll", foi uma das mais influentes e pioneiras cantoras e guitarristas da história da música. 

Sua habilidade única no instrumento, sua voz poderosa e seu estilo cheio de energia cativaram audiências e abriram portas para futuras gerações de artistas. Neste breve artigo, exploraremos a vida e o legado de Sister Rosseta, destacando sua notável contribuição para o desenvolvimento do gênero musical e seu impacto duradouro na indústria.

A lendária guitarrista e cantora que revolucionou o rock 'n' roll com seu talento e paixão, influência duradoura e como ela abriu caminho para futuras estrelas da música.

Nascida em 1915, em Cotton Plant, Arkansas, Rosseta Tharpe começou a cantar e tocar guitarra desde muito jovem. Sua música incorporava elementos de gospel, blues e jazz, criando um som único e vibrante. Nos anos 1930 e 1940, ela ganhou popularidade com suas apresentações eletrizantes e sua habilidade fenomenal na guitarra.

Rosseta foi uma das primeiras artistas a fundir elementos do gospel tradicional com ritmos secularizados, abrindo assim caminho para a inclusão do rock 'n' roll. Sua música cativante e sua presença de palco carismática a tornaram uma artista de destaque, conquistando tanto o público religioso como o secular.

Impacto Cultural e Legado:

O impacto de Sister Rosseta na música foi imenso. Sua música influenciou artistas icônicos como Elvis Presley, Little Richard e Johnny Cash. Ela desafiou as normas da época, que esperavam que uma mulher negra se limitasse apenas ao gospel, abrindo portas para artistas afro-americanos no mundo da música popular.

O legado de Rosseta Tharpe estende-se até os dias atuais. Em 2018, ela foi incluída no Rock and Roll Hall of Fame em reconhecimento à sua contribuição para a evolução do rock 'n' roll. Sua música continua a inspirar e influenciar músicos de diferentes gêneros ao redor do mundo.  

Irmã Rosseta Tharpe deixou um legado inegável na história da música. Sua habilidade como cantora e guitarrista revolucionou o gênero do rock 'n' roll, abrindo caminho para uma nova era de artistas e influenciando gerações futuras. Sua paixão, talento e impacto cultural alcançaram uma figura lendária, e sua música continua a encantar e inspirar pessoas ao redor do mundo.

Foto divulgação

Foto divulgação

Descubra o novo álbum do Choro Novo

Uma jornada sonora pelas ruas, praças, escolas e palcos brasileiros


Lançado em 26/07, esse álbum compartilha experiências e experimentações musicais únicas.

Com roteiros cuidadosamente elaborados, arranjos cativantes e repertórios selecionados, o Choro Novo cria performances que vão além da música. Eles se conectam com o ouvinte e buscam compreender suas histórias, afetos, lugares e memórias por meio de uma escuta atenta.

Essa trama complexa e envolvente une uma diversidade sonora fascinante e os diferentes cotidianos encontrados no repertório do álbum.

É uma trajetória musical em comum, que conecta artistas e ouvintes em uma experiência única.

Não perca a oportunidade de explorar as composições envolventes do Choro Novo, mergulhando em uma viagem musical inspiradora.

Conecte-se com suas próprias histórias e memórias enquanto se deixa levar pela magia desse repertório-álbum-trajetória que transcende fronteiras musicais.

Com este espírito, Abel Luiz (cavaquinho, bandolim, violacaipira e violão tenor),

Marlon Mouzer (violão sete cordas) e Reinaldo

Pestana (bateria e percussão), apresentam o novo álbum do Choro

Novo, “Diálogos Sonoros” – som que é fruto da conversa e da escuta

de nossa cidade, das vidas que nelas habitam, e dos encantos e

encontros extra-ordinários promovidos por Encantados Brasileiros

como: Mestre Siqueira, Lô Borges, Sivuca, Rita Lee, Nelson

Cavaquinho, Fenando Brant, Guilherme de Brito, Chico Buarque,

João Bosco, Raul Seixas, Milton Nascimento, Waldir Azevedo,

Gonzaguinha, Ernesto Nazareth, Arnaldo Baptista, Joel Nascimento,

Claudio Roberto, Teca Calazans, Marcio Borges, Villa Lobos e Aldir Blanc.

Segue um registro dedicado ao nosso Brasil Sonoro,

diverso e profundo, repleto de “Diálogos Sonoros”, dedicado à Todas

as Crianças do Brasil e do Mundo, retratadas na obra de Fernando

Diniz, gentilmente cedida pelo Museu de Imagens do Inconsciente,

que ilustra este segundo álbum.


Tina Turner a rainha do pop rock

 Tina Turner 

"Sobreviveu ao relacionamento abusivo e se tornou lenda da Música"

A voz rouca e potente de Tina Turner e sua presença de palco fizeram dela uma dos cantoras mais populares de sua geração.

De uma infância conturbada na zona rural do Tennessee ao estrelato global, foi uma jornada jornada e muitas vezes dolorosa. Ela estava na casa dos 40 anos antes de se libertar de um relacionamento abusivo para se estabelecer como artista solo.

Mas a artista gravou vários álbuns mais vendidos. recebeu muitos prêmios e se tornou um dos artistas musicais mais populares.

Antes de morrer, Tina Turner foi tema de um musical no West End de Londres que contava a história de sua vida incrível.


Certa vez, perguntaram a ela o que a havia impulsionado ao longo dos anos de luta e abuso.

"Eu permaneci do começo ao fim", disse ela, "porque acreditei em algo dentro de mim que me disse que tudo poderia melhorar".

Foto: Tomás Senna 

Raquel Boletti é a mulher do controle de acesso nos maiores eventos de São Paulo e do país

"Há 9 anos, a empresária se dedica ao ramo do entretenimento, proporcionando experiências"

Todos minimamente envolvidos no setor de eventos já conhecem Raquel Boletti e sua empresa NightShift Operações que vem revolucionando o setor e aumentando a qualidade das experiências, além de ser uma das maiores capacitadoras do mercado. 

Na agência Haute, hoje referência no mercado de eventos, Raquel foi responsável pelo desenvolvimento do setor de controle de acesso e ao perceber a capacidade de expandir os negócios, criou sua própria produtora, em 2018. 


Todos passam por um processo de capacitação para operarem sistemas específicos de cada evento, além de serem treinados e qualificados para tomarem atitudes coerentes e alinhadas ao perfil de cada evento, garantindo operações de qualidade. 

Nossa equipe conta com mais de 80 colaboradores fixos e 250 no rotativo, além de ser composta por Bilingues (inglês e espanhol), especialistas em Libras, cadeirantes, LGBTQIA+, Trans, Mulheres (que são mais de 70% da equipe) e negros. 

“Quando entrei no mercado, 80% dos altos cargos eram ocupados por homens, as mulheres eram muito presentes na área de Hostess e Recepção, mas nunca na direção e planejamento dos projetos. 

Já estamos na oitava edição do projeto e atingimos um público de até 2,5k pessoas de público. Sou responsável pelos orçamentos, quantificação de equipes e montagem/desmontagem de todo evento, trabalho junto com o time da NS Operações sendo sócios 7 homens. 

Hoje, a NS Operações é responsável por validação de ingresso, controle de lista vip, verificação de documento, controle de Camarotes, operação com catracas, SAC para problemas com ingresso, bilheteria, verificação de carteirinha de estudante, recebimento de alimento para doação, controle de acesso em backstages e até meeting greeting. 

Cultura Hip Hop

"E seus pilares"

O Hip Hop é uma cultura que surgiu nos anos 70 nos Estados Unidos, principalmente na região do Bronx em Nova York. Essa cultura tem como base quatro elementos: o rap, o breakdance, o grafite e o DJing.

Atualmente, o Hip Hop é uma das culturas mais influentes e populares do mundo, e tem sido adotado por pessoas de todas as idades, etnias e nacionalidades.

Neste artigo, vamos falar um pouco mais sobre o Hip Hop, seus quatro elementos e como essa cultura se segue pelo mundo.


1.O Rap

O Rap é o elemento mais conhecido do Hip Hop, e se refere à música criada por meio de rimas e batidas de fundo. 

Essas rimas podem abordar uma grande variedade de temas, desde o amor questões sociais e políticas. Ele  se tornou tão popular que hoje em dia é possível encontrar artistas de Hip Hop em praticamente todos os países do mundo.

O Breakdance é uma forma de dança que tem suas raízes no Hip Hop. Essa dança é caracterizada por movimentos acrobáticos, giros e saltos, que são realizados no chão. É uma das formas mais impressionantes de dança, e é comum ver pessoas se reunindo em praças e parques para dançar e fazer batalhas.

O Grafite é uma forma de arte urbana que surgiu junto com o Hip Hop. Essa arte é feita por meio de pinturas em muros, paredes e outros espaços públicos. É  uma forma de expressão que permite que as pessoas deixem sua marca nas cidades, e é uma forma de protesto contra a falta de espaço para a arte e a cultura.

O DJing é a arte de misturar músicas, criando novas sonoridades e batidas. Essa técnica é utilizada principalmente em festas e eventos de Hip Hop, e é uma forma de manter o público animado e dançando. Os DJs são responsáveis ​​por criar uma atmosfera única em cada evento, e são muito valorizados na cultura Hip Hop.

Conclusão

O Hip Hop é uma cultura incrível, que tem conquistado cada vez mais pessoas em todo o mundo. Seus quatro elementos – Rap, Breakdance, Grafite e DJing – são fundamentais para a construção dessa cultura, e ajudam a criar um ambiente de celebração, protesto e inclusão.

Se você ainda não conhece o Hip Hop, recomendamos que você se aventure nesse mundo e descubra todo o potencial dessa cultura incrível!

Billie Holiday a lenda do jazz

"Uma grande intérprete lírica, ela se arriscou e viveu a vida duramente"

Billie Holiday, também conhecida como "Lady Day", foi uma cantora de jazz e blues norte-americana que viveu de 1915 a 1959. Ela teve uma infância difícil em Baltimore, Maryland, e começou a cantar em casas noturnas de jazz em Nova York ainda adolescente.

Sua voz única e emotiva logo chamou a atenção, e ela se tornou uma das cantoras mais populares dos Estados Unidos nas décadas de 1930 e 1940. Entre suas canções mais famosas estão "Strange Fruit", "God Bless the Child" e "Lover Man".

A vida pessoal de Billie Holiday foi marcada por vários desafios, incluindo o vício em drogas e álcool, a violência doméstica e a discriminação racial. Ela foi presa várias vezes e passou períodos em reabilitação e prisão. 

Apesar disso, ela continuou a fazer sucesso como cantora e a inspirar outras artistas com sua voz única e sua maneira emocional de interpretar as letras das músicas.

Billie Holiday faleceu em 1959, aos 44 anos, em decorrência de uma cirrose hepática.

Sua carreira e vida pessoal inspiraram muitos artistas e escritores ao longo das décadas, e ela é considerada uma das maiores cantoras da história da música americana.

É um dos membros fundadores do grupo musical Seletores de Frequência e foi formado em 2003 e desde então tem se destacado por sua sonoridade única, que mistura elementos de funk, reggae, rock e música eletrônica. Constantemente, as letras de suas músicas abordam questões sociais e políticas, com forte crítica ao sistema e à desigualdade.

B Negão, como integrante dos Seletores de Frequência, tem contribuído significativamente para a criação e evolução da identidade musical do grupo. Sua habilidade como rapper, cantor e compositor tem sido fundamental para a produção de obras que conquistam tanto a crítica quanto o público.

Com uma discografia consistente e apresentações marcantes, os Seletores de Frequência e B Negão têm se consolidado como referências da música brasileira contemporânea.

O rapper também surpreendeu a todos ao interpretar as canções do icônico cantor e compositor brasileiro Dorival Caymmi.

Suas habilidades como rapper e produtor, apresentou uma nova faceta ao cantar as músicas de Caymmi com sensibilidade e emoção. 

Sua atuação ao vivo impressionou o público e chamou a atenção da crítica especializada.

Ele demostrou com essa iniciativa sua versatilidade como artista, transcendendo os limites de gênero e estilo musical.

Além disso, a homenagem a Caymmi contribui para manter viva a memória de um dos maiores nomes da música brasileira e expandir seu legado para novas gerações.


Se você procura por música que vai além da simples diversão com um propósito maior, BNegão é o artista que você precisa conhecer. 

Sua música tem uma mensagem importante e engajada, que pode inspirar e transformar o mundo ao seu redor. Se você valoriza a inovação, a autenticidade e o ativismo, o músico é a escolha certa.

Para conhecer mais sobre o trabalho de BNegão, você pode conferir seus álbuns, como "Enxugando Gelo", "TransmutAção" e "Sintoniza Lá". Além disso, BNegão também realiza shows e apresentações ao vivo, onde você pode ver de perto sua habilidade musical e sua mensagem importante.

https://www.youtube.com/@BNegaoOficial

Arte da Música

"A música como expressão artística: história, evolução e impacto cultural" 

A música é uma das formas mais antigas de arte, presente em todas as culturas ao longo da história. Desde a antiguidade, a música tem sido usada para transmitir emoções, contar histórias e unir comunidades. Hoje em dia, a música é uma indústria multi-bilionária, com milhões de pessoas em todo o mundo criando, produzindo e consumindo música. Neste artigo, exploraremos a arte da música e como ela pode afetar nossas vidas.

O que é a arte da música?

A música é uma arte que envolve a combinação de sons e ritmos para criar uma experiência estética. Ela pode ser criada e executada de várias maneiras, incluindo vocalmente, instrumentalmente ou eletronicamente. A música pode ser composta por uma única pessoa ou por um grupo de músicos trabalhando juntos.

A música pode ser categorizada em diversos gêneros, como rock, pop, jazz, clássica, eletrônica e muitos outros. Cada gênero tem suas próprias características e convenções musicais, permitindo que os artistas expressem suas ideias e emoções de maneiras únicas.

A importância da música na sociedade

A música tem um papel importante na sociedade, afetando nossa cultura, política e até mesmo nossa saúde mental. A música pode nos ajudar a relaxar, melhorar o humor e reduzir o estresse. Ela também pode nos inspirar a tomar ações, seja para protestar contra a injustiça ou celebrar a alegria da vida.

A música também é um meio poderoso de conexão entre as pessoas. Ela pode unir comunidades inteiras em torno de uma causa ou evento, como concertos beneficentes ou festivais de música. Além disso, a música pode ajudar a difundir a cultura de um país ou região, permitindo que as pessoas aprendam e apreciem as tradições musicais de outras culturas.

Como a tecnologia afetou a música

A tecnologia tem tido um impacto significativo na música, desde a gravação de discos até a música digital. A invenção do fonógrafo permitiu que a música fosse gravada e reproduzida em massa pela primeira vez. O rádio e a televisão ajudaram a disseminar a música em todo o mundo, enquanto a internet e o streaming de música permitiram que as pessoas acessassem músicas de todo o mundo instantaneamente.

A tecnologia também mudou a maneira como a música é criada e produzida. Antes da música digital, os músicos precisavam gravar suas músicas em estúdios de gravação. Hoje em dia, a música pode ser criada e produzida em qualquer lugar, graças ao software de produção de música e a tecnologia de gravação digital.


      Freddie Mercury

                 "Deixou um verdadeiro legado que nunca diminui" 

Tudo em Freddie Mercury era diferente. Um homem único que nasceu para entreter, ele tinha um espírito artístico inquieto.

Seu trabalho com o lendário Queen foi como parte de um coletivo, mas a borda imprevisível de Mercury condizia com seu sobrenome artístico e lhes dava um vocalista extravagante que apreciava os holofotes e mastigava o cenário com prazer.

Mas havia arte além do artifício. Um pianista tecnicamente brilhante e um vocalista hipnotizante com o enorme alcance que foi responsável por muitos clássicos.

Ele se doou para a música, mesmo quando atingido pela doença sua presença galvanizou as canções com uma profundidade de tenor de dar inveja. Freddie nunca vagou em territórios antigos, seu estilo de composição era ambicioso e audacioso.

Na vida e na morte, Fred tocou milhões com sua presença de palco e seu estilo vocal fora da média. Ele era de fato era talento e energia.

 Ele morreu cedo demais em Londres, em 1991, com apenas 45 anos, mas deixou para trás um verdadeiro legado que nunca diminui.


MV Bill e EP DR. Drill 

"Explorando questões sociais através da música: a Inovação de MV Bill com  EP DR. Drill" 


MV Bill, ciente de suas responsabilidades na cena, também deu espaço para experimentar o que lhe interessa, mas não caiu na negligência de se tornar outra pessoa, pelo contrário, carregou sua própria identidade para onde quer que fosse, e transmitiu algo além de se basear em referências adquiridas no Funk e no Rap, além de sua experiência de rua e observações.

O rapper da CDD foi explicitamente apresentado na capa do EP, referindo-se ao clássico álbum de 1992 do produtor musical, rapper, ator e empresário americano Dr Dre The Chronic.

Produzido por Insane Tracks e T-Rex; e participação de Rashid, Major RD, Froid, Lord ADL, Erik Skratch e Rod 3030; Dr. Drill conta com uma excelente curadoria do próprio MV Bill — responsável pela produção executiva do EP — e um olhar externo completo do projeto notando o que precisa ser tratado, além dos retoques finais, a originalidade do artista experiente.

Liricamente, Drill é caracterizado por sua representação de experiências astutas., aproveitando essa necessidade, bem como o descontentamento e a propagação dos acontecimentos na comunidade negra e periférica, prova com suas ações que se mantém atualizado com os acontecimentos do mundo . e a cena musical, resultando numa versatilidade mais que aventureira mas conscienciosa ao estudar, observar e preparar-se para dar o passo onde se encontra como um dos grandes porta-vozes e letristas nacionais.


https://www.youtube.com/@MVBillcdd


  A inovação musical e o ativismo de BNegão 

  "Unindo ritmos e causas: A arte como um ativista musical inovador"  

Bernardo Santos, mais conhecido como BNegão, tem uma carreira solida com shows fora e dentro do Brasil, ele é um artista completo e multifacetado que se destaca por sua habilidade musical e originalidade, sua carreira é marcada por sua contribuição para a música brasileira, e seu compromisso com questões sociais.

O artista iniciou sua carreira musical muito cedo, porém se destacou como integrante da icônica banda brasileira Planet Hemp, que ganhou notoriedade na década de 1990. Como um dos letristas e vocalistas da banda, ele chama atenção com seu estilo único e seu ativismo, abordando questões como o racismo e a desigualdade social em suas letras. 

A importância da música na educação infantil: benefícios e práticas educativas 

"Estimulando a criatividade e o desenvolvimento integral das crianças através da música na educação infantil" 

Você sabia que a música pode ser uma ferramenta poderosa na educação infantil? É isso mesmo! A música tem o poder de estimular o desenvolvimento cognitivo, emocional e social das crianças. Neste artigo, vamos explorar os benefícios da música na educação infantil e práticas educativas que podem ser implementadas.

Interesse: Desde muito cedo, as crianças são atraídas pelos sons e ritmos que a música oferece. Isso ocorre porque a música estimula diferentes áreas do cérebro, como a memória, a linguagem e a percepção sonora. Além disso, a música pode contribuir para o desenvolvimento emocional e social das crianças, ajudando a fortalecer a autoestima, a empatia e a capacidade de trabalhar em equipe.

Desejo: Para ajudar no desenvolvimento das crianças, a música pode ser incluída nas atividades pedagógicas da educação infantil. Existem diversas práticas educativas que podem ser implementadas, como a criação de instrumentos musicais com materiais recicláveis, jogos de percepção sonora, danças e cantigas de roda. Com essas atividades, as crianças podem desenvolver habilidades motoras, sensoriais e sociais de forma lúdica e divertida.

Ação: Se você é educador(a) ou pai/mãe, comece a incluir a música nas atividades diárias com as crianças. Cante músicas infantis, ensine danças simples, faça jogos de percepção sonora e crie instrumentos musicais com materiais recicláveis. Com a música, é possível estimular o desenvolvimento cognitivo, emocional e social das crianças de forma prazerosa e eficaz.

Conclusão: Em resumo, a música é uma ferramenta poderosa na educação infantil, contribuindo para o desenvolvimento cognitivo, emocional e social das crianças. Ao incluir a música nas atividades pedagógicas da educação infantil, os educadores e pais/mães podem oferecer uma formação mais completa e enriquecedora para as crianças. Então, vamos começar a cantar e dançar com as crianças!